SIERRA, un projet de musique électronique aux sonorités sombres mené par Annelise Morel, fascine un certain nombre de fans de musique heavy et extrême depuis sa création en 2017. Tetralens a récemment eu l’occasion d’interviewer SIERRA pour MetalZone, s’entretenant avec elle de son rapport à la musique heavy, de ses origines, de ses perspectives d’avenir et plus encore.
SIERRA a sorti plusieurs EP depuis 2017 et a fait ses preuves en live, notamment en première partie de Carpenter Brut sur l’ensemble de sa tournée 2022 (en Europe et aux États-Unis), dont la date au Zénith en octobre.
SIERRA a publié son premier album, A Story Of Anger, le 15 septembre via Virgin Records. Du reste, la jeune artiste a débuté sa nouvelle tournée par plusieurs dates aux États-Unis à la mi-septembre, et sera également en concert au Trabendo, à Paris, le 31 janvier 2024.
Vous pouvez découvrir ci-dessous sa conversation avec Tetralens.
Je connais ton travail depuis un an maintenant, et je trouve que non seulement il est très intéressant et a sa propre identité, mais je pense aussi que le style dans lequel tu évolues parle à beaucoup de fans de musique extrême.
Cela me fait plaisir que des gens d’autres styles que le mien s’intéressent à ce que je fais. Car on peut toujours trouver un lien entre différents genres musicaux. Je ne suis pas du tout une métalleuse. Je n’écoute pas de Metal, je n’en ai jamais écouté, mais de plus en plus, je me retrouve sur des scènes de metal et avec un public qui comprend ma musique. Du coup, il y a un lien entre les deux, parce que je comprends de plus en plus ce qu’ils aiment chez moi, et je commence à comprendre ce genre aussi, en me disant : “Ok, je vois des similitudes dans le désir de puissance”. Il y a aussi l’envie de tout casser quand on est sur scène [rires], et c’est vraiment le lien, je pense, entre ces deux genres.
Comment définis-tu ton style ?
Cela dépend de la personne à qui je parle. En fait, cela dépend aussi des termes que les gens connaissent. Quand les gens ne connaissent pas ma musique, je leur dis musique électronique, ce qui est large. Quand les gens viennent de la scène électronique, je leur dis EBM ou synthwave. Quand les gens viennent d’autres genres et ne connaissent pas du tout ces termes, je parle de manière plus large, donc ça dépend. J’aime appeler ça darkwave, parce que ça veut dire tout et rien à la fois. C’est quelque chose qui réunit l’électro et des genres qui ne font pas nécessairement partie de la synthwave. Avant, je faisais des sons synthwave, mais aujourd’hui ce n’est plus vraiment le cas. Cela dit, je me sens toujours très proche de cette scène, et en termes de sons, je dirais plus EBM, ou même un nouveau terme qui a été inventé, qui n’est pas forcément très connu, qui s’appelle l’EBSM. C’est la même chose qu’electronic body music (EBM), mais avec le S pour “synthé”, donc electronic body synth music. Je pense que c’est le terme qui correspond le mieux à ce que je fais, mais il n’est pas très répandu.
Selon toi, qu’est-ce qui fait le lien entre la darkwave/synthwave et les métalleux ?
Le lien se trouve sur la scène, et repose déjà sur l’intention musicale, sur le désir de se surpasser et de se transcender. Quand les gens viennent à mes concerts, il y a des morceaux qui sont calmes et d’autres qui le sont moins. Mais je pense qu’il y a toujours une envie d’avoir au moins trois ou quatre morceaux avec de la puissance. C’est ce que j’essaie de faire. Et c’est vraiment le lien le plus évident pour moi. Après, au niveau des sons, il y a quand même beaucoup de sons percussifs. Je n’utilise pas de batteries acoustiques, ou très peu, mais il y a des kicks assez puissants, des snares assez puissantes qui apportent du punch. Et puis il y a la basse, tout ce qui tourne autour de la basse, qui fait vraiment le lien. La grosse caisse, la caisse claire et la basse, c’est la base d’un morceau qui frappe vraiment. Je pense donc que c’est là que se trouve le lien.
Le projet a vu le jour en 2017. Peux-tu nous raconter comment il est né ? Est-ce que tu avais déjà eu d’autres projets auparavant ?
Oui, j’ai toujours fait de la musique. J’ai commencé très jeune. Mes parents m’ont inscrite assez jeune au piano-violon dans l’orchestre de la ville, comme ça. Mais je détestais vraiment tout ce que je faisais. Je détestais la musique, mais c’était au fond de mon âme jusqu’à ce que, à l’université, je découvre un peu le Rock de Green Day, Linkin Park, tout ça. Et Avril Lavigne, qui a été pour moi la première image un peu féminine, il y en avait certainement beaucoup d’autres, mais c’est la première que j’ai découverte en tout cas. Je me suis donc acheté une guitare. J’ai commencé à reprendre goût à la musique, à découvrir la musique pour le plaisir. Et petit à petit, je me suis mise à aimer composer et retravailler des chansons chez moi. C’est ainsi que le plaisir est né. Et puis au lycée, j’ai découvert la musique électronique, que je ne connaissais pas du tout, et j’avais envie d’en faire, mais je ne savais pas comment faire parce que c’est beaucoup plus abstrait que de prendre une guitare et de composer un morceau.
Quand on ne connaît rien à la musique électronique, on se demande ce que c’est. Qu’est-ce qu’un DJ ? Que fait-il sur scène ? Joue-t-il des sons ? Est-ce compliqué ? Et puis, plus concrètement, comment compose-t-on ? Avec quel logiciel ? Comment ça marche ? Je trouvais ça tellement abstrait. Et YouTube n’était pas aussi développé qu’il l’est aujourd’hui. Il n’était pas aussi facile de trouver des tutoriels. Je me suis donc débattue sans rien comprendre [rires]. J’ai mis cela de côté et je me suis contentée de mon ukulélé, de ma guitare et de mon harmonica. Je faisais de la pop folk, donc rien à voir ! Et j’ai fait mes premiers concerts pop folk comme ça à Paris, et puis à l’étranger, j’en ai fait un ou deux et voilà…
Cependant, j’avais une sorte de frustration de ne pas pouvoir faire de la musique que j’aimais vraiment, jusqu’à ce que je commence à travailler dans la production audiovisuelle et que je rencontre un compositeur de musique à l’image qui, un jour, a pris le temps, après son travail, de me dire : “Ça suffit tes conneries, viens avec moi, je vais te montrer comment fonctionne un logiciel séquenceur. Je t’explique quelques trucs, je l’installe sur ton ordinateur et c’est parti”. J’ai donc commencé à bricoler, petit à petit. Je ne savais pas encore vraiment comment faire, parce qu’il y a un grand fossé entre la composition de chansons sur ordinateur et la réalisation d’une production finie. Il y a beaucoup de technique [à acquérir]. Donc disons qu’en 2016, je me suis dit : “Allez, j’essaie vraiment de m’y mettre”. Donc j’ai pris des cours, je me suis vraiment intéressée à la production musicale, avec tous ces aspects techniques. Et puis, à partir de 2017, je me suis vraiment jetée à corps perdu dans le projet SIERRA.
Cela t’a-t-il amené à collaborer très rapidement avec d’autres personnes, ou as-tu travaillé seule pendant longtemps ?
Non, j’ai travaillé seule. J’ai toujours, presque toujours, travaillé seule. Aujourd’hui, j’essaie de m’ouvrir un peu plus. Je sais que c’est bon pour moi, mais ce n’est pas spontané. Je suis quelqu’un de très, très, très solitaire. J’ai toujours du mal avec le travail en groupe. Je ne suis pas vraiment sociable, donc c’est un peu difficile pour moi. Mais tout dépend de la façon dont on aborde le travail avec les autres. Parce qu’il y a des gens avec qui, comme en amour, comme en amitié, il y a un lien qui se forme, et c’est une évidence. Et il y en a d’autres pour qui c’est impossible. Aujourd’hui, j’essaie d’aller vers les gens avec lesquels j’ai un bon feeling et je sais que ça va marcher. Mais quand j’ai commencé à faire de la musique électronique, il était clair pour moi que je ne voulais pas être avec d’autres personnes. Quand j’ai réussi à me procurer l’outil, j’ai tout de suite voulu m’exprimer. Pour moi, c’était un besoin vital.
Comment se déroule l’écriture d’une chanson pour ce projet ?
Cela dépend vraiment. Le lien commun lorsque je compose est de commencer par un visuel. C’est une chose récurrente, un vrai besoin. J’en ai besoin pour m’immerger dans un univers et créer un lien entre plusieurs morceaux quand je travaille sur un projet d’EP ou d’album. Après, ça peut venir d’un mot parfois, ou de phrases que j’ai dans la tête et qui tournent en boucle. Ça peut venir de sons que j’ai déjà entendus, et je me dis que telle ou telle boucle de dix secondes dans un morceau est juste trop stylée, et ça m’inspire. Il peut aussi s’agir simplement d’un désir de m’exprimer, de produire quelque chose de puissant. Je conçois alors des sons de kicks et de basses, et c’est parti. Il n’y a pas vraiment de règles, j’essaie juste d’être aussi spontanée que possible, ce qui est difficile pour moi parce que je suis toujours en train de contrôler. Je suis une maniaque du contrôle. Mais dès que je suis trop ordonnée, je n’arrive jamais à sortir quoi que ce soit. J’essaie donc d’être vraiment à l’écoute de mes émotions et de mes intentions. C’est ce qui fonctionne le mieux, mais c’est plus facile à dire qu’à faire.
Tu dis que tu as besoin de contrôler et d’encadrer les choses, alors comment cela se passe-t-il sur scène ?
La scène me laisse peu de place pour l’improvisation pour le moment, car j’ai tellement besoin de contrôler que j’ai choisi de ne pas être DJ. J’ai essayé. Quand j’ai commencé à faire du DJing, mes premiers sets étaient évidemment des DJ sets parce que je n’avais pas assez de morceaux pour faire un live set. La base du DJing, c’est d’avoir une bonne sélection, mais c’est aussi de savoir jouer avec le public, d’improviser et de s’appuyer sur l’énergie du public dans l’instant. Mais je suis incapable de faire cela parce que j’ai besoin de réfléchir, je ne peux pas me contenter de sortir mes idées tout de suite. J’ai du mal à m’exprimer sur le moment. J’ai besoin de réfléchir avant d’exprimer ce que j’ai à dire. C’est là que le DJing est devenu très compliqué, et j’ai rapidement arrêté, parce que mes DJ sets étaient en fait des live sets totalement construits. C’est-à-dire que j’avais 40 morceaux, je les connaissais dans l’ordre, je composais même des morceaux de transition pour mes sets. Il n’y avait donc aucun intérêt, c’était déjà un live set.
J’aime bien ce que je fais maintenant, car cela me permet de vraiment réfléchir à des choses en amont. J’ai une intro construite, un break construit, etc. Ce que je fais n’est pas forcément très improvisé, mais c’est une performance, c’est sûr. J’essaie toujours de donner le meilleur de moi-même. Et bien entendu, si le public est incroyable, je me donne encore plus, donc c’est peut-être à ce moment-là que j’improvise un peu.
Tu as fait une tournée avec Carpenter Brut. Comment cela s’est-il passé ?
On discutait sur les réseaux depuis peut-être un an avant qu’on me propose la tournée. On s’est contactés sur Insta ou Facebook, je ne sais plus. Et puis on discutait rapidement et je lui ai glissé à l’oreille que si un jour il avait besoin d’une première partie, j’étais là [rires]. Je ne me souviens pas si c’est lui ou son booker qui m’a appelé pour me proposer cette opportunité. Bien sûr, j’ai tout de suite accepté. J’ai appris la nouvelle de la tournée américaine quelques mois plus tard. Je ne savais pas si je la ferais au début, mais en tout cas, on m’a proposé la tournée européenne en 2021, et c’est comme ça que j’ai appris qu’il y avait aussi le Zénith à Paris. C’était [hallucinant] parce que je n’ai pas de booker, je n’ai pas de label, je n’ai rien. Mon projet n’était pas aussi évolué qu’il l’est aujourd’hui à bien des égards. Tout s’est mis en place rapidement, ça m’est un peu tombé sur la tête, pour ainsi dire.
Tu as aussi fait la tournée américaine. As-tu remarqué une différence dans la perception et l’accueil du public français par rapport au public international ?
Je me pose souvent cette question, mais il est difficile d’en faire une étude, car cela dépend vraiment du type de scène sur laquelle je joue et du type d’événement. Autrement dit, avec mon projet, j’ai la chance de pouvoir jouer sur des scènes électro au sens large, des scènes techno, des scènes metal et des scènes gothiques, qui sont des publics totalement différents. Je ne sais donc pas vraiment. Je pense que cela a plus à voir avec le type de public qu’avec la situation géographique. Par exemple, le public metal est un peu comme le public gothique dans le sens où ce sont des gens qui sont passionnés par le son. Je ne dis pas que les fans de techno ne le sont pas, mais il y a quelque chose dans la passion des métalleux et des gothiques qui est hyper assumée, affirmée, et quand on regarde les gens physiquement, on voit tout de suite qui est un métalleux et qui est un gothique. Dans la scène gothique, les gens portent des costumes, avec des styles hyper originaux. Ce sont des gens qui sont passionnés, qui sont adorables, qui sont très gentils, qui prennent le temps après les concerts de parler, de dire ce qu’ils ont aimé. D’un autre côté, c’est un public qui est parfois plus dans l’écoute que dans la démonstration, parce qu’il est un peu dans son monde, dans l’écoute, etc. Donc les gens dansent, mais ils crient un peu moins, par exemple, que sur une scène techno, où les gens sont peut-être plus là pour faire la fête. Bien sûr, il y a toujours des gens passionnés par le son, etc. Mais l’envie de faire la fête, de s’enivrer et de crier est plus présente. Par contre, à la fin, ils n’ont pas forcément envie de me parler ou quoi que ce soit d’autre. Ils ont passé un bon moment, ils sont heureux. Je vois les différences. Le public est parfois plus expressif sur la scène électro techno, mais moins engagé dans le projet que sur la scène goth et/ou metal. Mais bon, je ne peux pas généraliser car cela dépend beaucoup d’un jour à l’autre.
Il y a une certaine mélancolie dans tes textes, et même dans les atmosphères que tu crées à travers tes sons. Il y a de la rage. Peut-être une touche de revanche, parfois. Y a-t-il des événements particuliers dans ta vie qui t’ont beaucoup inspiré ?
Oui, toujours. Je m’inspire toujours des choses négatives que j’ai vécues. C’est un peu cliché de le dire, mais j’essaie toujours de transformer une situation qui m’a marqué en quelque chose qui me donne envie de me dépasser ou de prendre le bon côté des choses. De toute façon, nous avons tous des expériences différentes, nous avons tous des périodes sombres, peu importe ce que nous vivons. Ce qui est noir pour une personne ne l’est pas forcément pour une autre. J’ai inévitablement vécu des choses qui m’ont vraiment blessée et qui ont eu un impact sur moi. En fait, je me suis aperçue que la plupart de mes chansons les plus “réussies”, celles qui ont le mieux marché, étaient des chansons que j’avais écrites sur des événements particuliers qui m’avaient blessée. Je pense donc que c’est un peu thérapeutique.
Je ne sais même pas si c’est une passion de faire de la musique, c’est vraiment un besoin vital. Ce n’est pas que du bonheur de faire ce que je fais, mais c’est vraiment essentiel. Donc oui, je suis clairement inspirée les trois quarts du temps par des choses négatives qui me concernent, ou en général par la rage et l’irritation que je ressens. Il y a tellement de choses qui m’irritent au quotidien. Au fond de moi, je suis révoltée par tant de choses, et il faut que ça sorte, parce qu’on ne peut pas garder des choses aussi mauvaises pour soi, il faut que ça sorte. Certains font de la boxe, moi je fais de la musique. Je faisais des arts martiaux, mais j’avoue que je n’en fais plus beaucoup. Mais voilà, chacun a sa propre façon de s’exprimer, et pour certains, ce sera le sport, et pour moi, c’est faire ça.
Penses-tu que si tu traversais une phase très calme et posée dans ta vie, tu pourrais trouver la même inspiration dans des choses positives ?
Non, pas du tout. J’ai l’impression que la musique est un peu une malédiction pour moi. C’est à la fois ma plus grande joie et ma plus grande tristesse. Il y a une certaine lourdeur quand je dis cela [rires]. Mais c’est vrai, parfois je pense honnêtement que c’est une plaie d’avoir ce besoin de faire du son. J’aimerais ne pas être obligée d’y trouver un tel intérêt, parce que sans cela, ma vie serait beaucoup plus simple. Ce n’est pas très vendeur de dire ça [rires]. Mais oui, c’est un fléau. Parce que j’aurais aimé avoir des besoins et des envies un peu plus classiques. L’art, c’est lourd de devoir essayer d’en vivre encore aujourd’hui, et tout ce que ça implique derrière, le dévouement, de mettre son cœur et son âme dans son projet… J’adore ça et je ne pourrais pas faire autre chose. En réalité, je sais que je ne pourrais rien faire d’autre, donc je pense que c’est formidable. Mais d’un autre côté, je pense que c’est un peu une malédiction parce que justement, je ne me vois pas faire autre chose. Donc, en fait, il faut que ça marche au moins un peu si je veux en vivre, et il faut que j’aie un minimum d’inspiration pour sortir des choses. Parce que quand elles ne sortent pas, eh bien, c’est très dur. C’est donc l’aspect négatif de la chose.
L’aspect positif, c’est que lorsque je parviens à faire sortir les choses que je veux, c’est un bonheur extrême. Lorsque je parviens à soulager mes frustrations, c’est une libération, et en plus, je vis, je gagne ma vie en produisant des sons, en faisant des tournées à l’étranger et en voyageant. C’est un rêve que beaucoup de gens caressent. C’est un métier qui va au-delà de faire des musiques extrêmes, il s’agit d’émotions extrêmes, en permanence ! Donc voilà, la malédiction, c’est un peu d’accepter ça. Si j’avais eu des choses plus sereines dans ma vie, ou si j’avais été beaucoup plus épanouie émotionnellement, stable dans tous les aspects de ma vie, j’aurais peut-être eu moins besoin de me lancer dans des choses de ce genre.
La France a toujours été très présente sur la scène électro. En tant qu’artiste française, penses-tu que cela soit lié au fait qu’il y ait un style d’écriture propre à la France ? Est-ce qu’il y a un ADN de l’électro française ?
Oui, mais je pense que c’est inconscient. Je ne crois pas que, parce qu’on est français, on se dise qu’on va défendre les valeurs françaises dans la musique électronique. Mais le fait est que beaucoup d’artistes électro français marchent bien à l’étranger, et pas seulement dans la synthwave/darkwave. On voit des projets électro, même avec une touche de pop, qui marchent très bien aux États-Unis. Il y a un ADN français je pense, mais je ne sais pas vraiment à quoi cela est dû. En ce qui concerne la synthwave, je pense que beaucoup de Français ont une sorte de fascination pour les États-Unis. Je pense que c’est de là que ça vient. La synthwave, ce qui te fait un peu rêver quand tu la composes, c’est Los Angeles la nuit, New York la nuit, tout la nuit, avec des néons partout [rires].
Il y a eu Kavinsky. Il n’est pas forcément le fondateur de la synthwave. Je ne vais pas entrer dans un débat là-dessus. En tout cas, Kavinsky est arrivé et il y a eu beaucoup de Français qui se sont dit qu’il y avait un attrait pour ça… Il y a clairement un mouvement. Aujourd’hui, les projets synthwave et darkwave les plus importants sont Carpenter Brut et Perturbator. Voilà, deux Français. Est-ce que le fait de voir d’autres Français faire ça et réussir donne inconsciemment envie aux nouveaux producteurs français de faire la même chose ? Je n’en suis pas sûre.
Aussi, en France, nous avons la chance, en tant qu’artistes, d’être encouragés et soutenus. Nous avons des subventions, des bourses, la SACEM. Je pense que tout cela contribue à inspirer les gens. Je pense que quand on est dans un pays sous-développé et qu’on doit juste se débrouiller pour nourrir sa famille, la question ne se pose évidemment pas du tout. Mais nous avons des outils à notre disposition. Je ne dis pas que nous sommes tous à l’aise, nous avons tous des vies différentes, mais nous avons plus de facilité à lancer des projets que dans d’autres pays. Je n’aurais jamais commencé si je n’avais pas touché le chômage, par exemple. Mon projet a démarré parce que j’étais au chômage et que j’avais une formation de retour à l’emploi – et j’ai choisi de la faire dans le domaine des techniques du son.
Enfin, si quelqu’un t’appelait pour te programmer au Hellfest ou au Motocultor Festival, que dirais-tu ?
Eh bien, je dirais oui, tout de suite. Ce serait avec grand plaisir !
Cet entretien a été édité et raccourci pour plus de clarté.
À propos de Tetralens
Cette interview a été réalisée par Tetralens, qui est également la propriétaire de certaines des photos que vous avez vues ci-dessus.
Tetralens est une photographe basée à Paris. Si vous souhaitez discuter avec elle de son travail et/ou collaborer avec elle, vous trouverez toutes ses informations ci-dessous !
TETRAlens rassemble toutes les expressions de mon travail photographique, récent ou datant de plusieurs années. J’y présente principalement un extrait de mes captures de concerts live, essentiellement issus de la scène Metal et Rock, ainsi qu’un petit aperçu de mes autres sujets photographiques, tels que les paysages, les détails et l’architecture. D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours voulu capturer à travers mon objectif ce que mes yeux voulaient immortaliser : le tranchant d’une lumière, la force d’un instant, la douceur d’un regard, l’énergie d’un moment, ces choses qui rendent le monde plus beau. Depuis mon plus jeune âge, cette passion m’a suivi dans mon quotidien ou dans mes voyages, mes yeux regardant constamment la nature, les villes et les gens comme une source d’inspiration pour nourrir mon expression artistique. Le canal le plus emblématique étant la musique live, les événements à travers lesquels l’humain est un vecteur des vibrations les plus positives.
